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ブリューゲル展 [美術]

東京都美術館
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ブリューゲル展 画家一族 150年の系譜
http://www.ntv.co.jp/brueghel/

去年からヒエロニムス・ボスの展覧会とか、バベルの塔展とか、なんとなくブリューゲルを見る機会が多い。今回はブリューゲル一族展として、16世紀フランドルに生まれたピーテル1世からひ孫までの一族の絵を一堂に集めたもの。

祖とも言えるピーテル1世は1525(30)~1569.改めて年紀を見ると意外に若死に。あの「バベルの塔」など晩年とはいえ40代の作と思うとその完成度に驚く。

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ピーテル・ブリューゲル1世と工房
キリストの復活 1563年頃

父、ピーテル1世がなくなったとき、息子のピーテル2世も、ヤン1世もまだ幼かった。二人は父の工房で父の画法を学び、父の絵のコピーも多く描いてそのおかげで父の絵が広まった。

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ピーテル・ブリューゲル2世
野外での婚礼の踊り 1610年頃
父ピーテル1世も書いた農民の風俗を息子の2世も繰り返し描いた。あけすけで、美化されてもいない農民達の様子が楽しげに描かれる。それまでの例えばイタリア・ルネッサンス絵画にはなかったジャンル。

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ヤン・ブリューゲル1世
ヤン・ブリューゲル2世
机上の花瓶に入ったチューリップと薔薇 1615-1620年頃
弟のヤン1世も、兄同様父の作品に倣ったが、とりわけ花の絵を得意として「花のブリューゲル」とも呼ばれた。この絵はその息子ヤン2世との共作。

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アブラハム・ブリューゲル
果物の静物がある風景 1670年
アブラハムはヤン2世の息子。

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ヤン・ファン・ケッセル1世
蝶、カブトムシ、コウモリの習作
蝶、カブトムシ、コウモリ、カマキリの習作 1659年
ヤン・ファン・ケッセル1世はヤン2世の甥。
アブラハムとヤン・ファン・ケッセル1世は従兄弟同士で、ピーテル1世からはひ孫に当たる。
大理石に描かれているのが珍しい。観察眼が素晴らしいのが血筋だろうか。

ひ孫の代まで一族がずっと画家というのは、西洋では珍しいのでは。日本では、狩野派みたいに養子取っても家業として画家ってあるけど。

ひ孫に至るまでそれぞれが非凡な描写力を持って、父祖から引き継いだ工房を守ってブリューゲル派とも言うべき画風を確立した、西洋画史上まれに見る一族ではないかしら。孫世代まではともかく、ひ孫となるとあまり見る機会もないので、貴重な展覧会。





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熊谷守一展 [美術]

東京国立近代美術館
http://kumagai2017.exhn.jp/

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熊谷守一(1880‐1977)の没後40年記念の回顧展。
熊谷守一と言えば、晩年の切り絵か版画のような単純化された猫や花の絵しか知らなかったので、若い頃のゴッホのような、初期の暗い色調の厚塗りの作品に驚き。さらに、先述のような熊谷と言えばのスタイルは70代以降と知ってさらにびっくり。変遷が面白いがやはり猫の絵が可愛い。

展示は年代順。
第一章「闇の守一」1900年代~10年代
闇の中でのものの見え方に興味があったというこの時期の絵は、闇と光というより闇と闇といった感じで本当に色が暗い。
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《 蠟燭 》1909年
目をこらさないと何が描かれてるか見えない。この闇の中に熊谷は何を見ていたのだろう。

第二章「守一を探す守一」1920年代~50年代
この時代になるとまるでフォービズムのような人物画から、やや単純化されたフォルムの風景画に遷ってくる。逆光に浮かぶ人物の輪郭に見える赤い線が、山の稜線などを彩る線に結びついたのだという。
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《人物》1927年頃 

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《風景》1940~50年頃


第三章 「守一になった守一」1950年代~70年代
晩年とも言える70歳代になってついに、熊谷と言えば誰もが思う作風に到達する。第二章から第三章への変化は素人目には唐突にも思えて不思議なんだけど。

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《ハルシャ菊》1954年

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《猫》1965年
晩年は病のせいもあって、家からあまり出ずに庭で虫や花をじっと観察して絵を描いたという。そういう生き物への視線が優しい。

若い頃は貧困にも苦しみ一時は故郷に帰って材木業に従事したり、また子供に先立たれたり、苦難の中で描き続けて老年になってこういう明るい色彩と穏やかで単純にも見える描写に至った心中は想像できない。見る方はただ「あら可愛い」とか思うだけだけど。
正直、晩年の絵だけでも十分楽しめた。



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色絵展 [美術]

出光美術館
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器の種類はいろいろあるけど、見て楽しいのはダントツで色絵だと思う。
色絵にももちろん鍋島、九谷、伊万里、京焼などなど種類があって、それぞれに特徴があるのだけど、そういう違いとかはおいといてとにかく柄や形が楽しめる。

数ある色絵の中で、個人的に好きなのはやっぱり鍋島。藩窯として幕府献上品に作られただけに一定の規格があり、柄も品があって綺麗。
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色絵花筏文皿 鍋島藩窯

一方、九谷は大胆な大柄が目をひく。意外と使われる色は限定されている感じなのに、黄色と青や緑、紫、と言った取り合わせがインパクト大。
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色絵蓮葉に菱文大皿 古九谷
前はそういう九谷がちょっと苦手だった。でもこの頃はそのデザインが斬新で面白いなと思う。もっとももし手元に置けるなら鍋島を選ぶけど。

鍋島と同じく九州の伊万里は、鍋島ではほとんど使われない金襴手が豪華。海外に輸出されたのもうなずける。また古伊万里がヨーロッパの磁器に影響を与えたと言うのも。
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色絵菊花文輪花皿 古伊万里

そして色絵と言って忘れてはいけないのが仁清。柄もだけど、形も凝ってる。
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色絵梅花文四方香炉 野々村仁清
上に兎、横に象。柄は梅。なんてファンタスティック!何年か前別の展覧会で見たときも「きゃ~可愛い~!」って惚れ込んだ品。再会できて嬉しい。

他にも乾山や仁阿弥道八などの京焼や柿右衛門、海外のマイセンやウースター、近現代の板谷波山や富本憲吉らまで、様々な色絵の器を見ることができて、本当に楽しい。焼き物にあまり興味がなくても楽しめると思う。
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墨と金 狩野派の絵画展 [美術]

根津美術館
http://www.nezu-muse.or.jp/jp/exhibition/index.html
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この頃、狩野派の展覧会が多いような気がするが偶然か。室町から江戸時代まで権力者の庇護を受けて威勢を振るった狩野派。永徳こそないものの、元信、探幽、山楽ら有力者の作品を「墨(山水画)」「金(金箔を用いた障壁画)」と言う視点で見せる。

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養蚕機織図屏風 伝狩野元信筆
狩野派二代目の元信については、去年サントリー美術館で展覧会があって初めてちゃんと見た。絵画の技法を整理して弟子にもわかりやすく体系化し、狩野派が工房として大量生産できる基礎を築いた。

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両帝図屏風 狩野探幽筆
狩野派で金を使い出したのは三代永徳ではないかと思うが、江戸時代に入って幕府に仕えた探幽も豪華で、題材もいかにも為政者が好みそうな作品が多い。

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梟鶏図 狩野山雪筆
一方、京に残った京狩野派は、また独自の画風を発展させる。元信の弟子筋となる山楽山雪らがその代表。この山雪のは遊び心たっぷりの一枚。特にフクロウの表情がなんとも言えず可愛い。

超有名作があるわけではないが、狩野派の実力を堪能できる。

また、2階展示室では新春恒例の「百椿図」が展示され、「墨と金」とは打って変わって美しい色彩の様々な椿の絵を楽しめる。

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「国宝雪松図と花鳥」展 [美術]

三井記念美術館
http://www.mitsui-museum.jp/exhibition/
毎年この時期に展示される応挙の雪松図屏風と合わせての展覧会、今年は花鳥図。

まずは茶道具。牡丹の浮き彫りの青磁の花入れ、仁清の鶏の形の香合、銘が鵺という赤楽茶碗、などが並ぶ。

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仁清
色絵鶏香合
仁清らしい、色鮮やかで可愛い香合。

絵画では伝牧谿作の蓮燕図が当館の花鳥図ではいちばん古いとか。今回の目玉としては渡辺始興の鳥類真写図巻約17メートルを全図展示。まさに図鑑の写実的な描写の細かさに舌を巻く。

個人的に目を奪われたのは沈南蘋の花鳥図。鳥や花の清冽な描写が実に美しい。
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「松樹双鶴図」(花鳥動物図の内)

工芸品ではこういうのも。
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柴田是真作
「稲菊蒔絵鶴卵盃」1対 
鶴の卵の殻のうち側には金を、外側に蒔絵を施したもの。鶴はおめでたい鳥だし、なんとも品がよくて美しい。
この作品の他にも鳥の卵を加工したものはあって、鶴の他に孔雀の卵などもあった。大名家の庭で飼われていた鳥の卵、と言う由来のものも。

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土佐光起
鶉図
小品ながら品の良い一枚。鶉は何故か絵や器の柄に昔からよく描かれる。そんなに色が美しい鳥でもないと思うが。。。

応挙では雪松図屏風の他にこれも。
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蓬莱山・竹鶴図 
さすがの精緻な描写。

さらに面白かったのは、三井家のご当主らの作品もあって、どれも玄人はだし。中には専門家さながら鳥を飼って鳥博士みたいだった人もいたらしい。さすが商人でも名家となると文化水準も高いのね、という感じ。


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その他12月 [美術]

もう時間がないので、見た物列挙。

鏨の華―光村コレクションの刀装具― 
根津美術館
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没後150年記念 菊川英山
太田記念美術館
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川合玉堂
山種美術館
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ゴッホ展
東京都美術館
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秋口以降展覧会いっぱいあったのに時間が取れず行けなかったものもあり。

観劇では文楽と、歌舞伎座の第三部も見た。感想は割愛。

と言うことで、今年の記事はこれで最後です。最後が尻すぼみですいません。今年も一年お付き合い下さった皆様ありがとうございました。来年もどうぞよろしくお願いします。
よいお年をお迎えください。
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オットー・ネーベル展 [美術]

Bunkamuraザ・ミュージアム
http://www.bunkamura.co.jp/museum/exhibition/17_nebel/#point
ドイツ生まれの画家オットー・ネーベル(1892-1973)。寡聞にして名前も聞いた覚えがなかった。
カンディンスキーやクレーとの交流を通じて影響を受けながら自分の画風を追求していったというネーベルの、日本初の展覧会。
正直なところチラシを見た限りでは、カンディンスキーやクレーの亜流のようにも見えてしまい、あまり期待せず、と言うかむしろ一緒に展示されてるカンディンスキー目当てに見に行ったのだが、意外にもと言っては失礼だがなかなか見応えがあった。

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オットー・ネーベル《アスコーナ・ロンコ》1927年、水彩、グアッシュ
初期に憧れたのはシャガールだという。

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オットー・ネーベル《避難民》1935年
一目でああクレーっぽい。と思う。矢印とか。でも一面の点描のようなモザイク画法は偏執的とも思えるほどで、あと色使いの繊細さは生涯にわたってネーベルの特長。
クレーとは、戦争中に共にスイスのベルンに移住して知り合い、クレーが亡くなるまで交流が続いたという。

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オットー・ネーベル《地中海から(南国)》1935年
こちらは水彩。画家になる前、ネーベルは建築を学んでいた。そのせいか、都市の建築物の構造を抽象化した作品も多い。

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オットー・ネーベル《叙情的な答え》1940年、テンペラ・紙
これはもうカンディンスキーの影響がくっきり。なんだけど、モティーフの一つ一つがなんだか可愛かったり、これもやっぱり色が素敵だったり、惹かれるものが。
カンディンスキーはグッゲンハイム財団にネーベルを推薦して、財団がネーベルの作品を買い上げて支援した。

確かにどれも誰かの絵に似ていて、影響を受けつつ独自に絵を確立することの難しさを感じる。でもその一方で、どの絵も亜流と切り捨てるには魅力があって、デザイン性と、特に色使いは私はとても好み。もっと知られても良い画家だと思う。

シャガール、クレー、カンディンスキーらの作品も展示されていて、楽しかった。
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パリグラフィック展-ロートレックとアートになった版画・ポスター展 [美術]

三菱一号館美術館

19世紀末のパリで飛躍的に発展した版画、ポスターなどのグラフィック・アートに着目した展覧会。

版画自体はレンブラントやデューラーを出すまでもなく、昔から絵画芸術の一端にあった。だが思えばそれはモノクロで、こういった多色刷りの版画が大量に作られるようになったのはこの頃。(それを思うと、日本の錦絵って凄いと改めて思う)
大量生産できる版画の普及でアートはポスターとして町中のあらゆるところに張り出され、また一方では好事家のコレクターアイテムとしての限定作品が作られ、今までのいわば「一品物」の絵画とは一線を画す市場が誕生した。
そういった時代に中心的役割を果たしたのがロートレック。

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ムーラン・ルージュ、ラ・グーリュ/ロートレック(1891)
ロートレックの出世作。猥雑な雰囲気に客のざわめき、酒や煙草の臭いまでしてきそうな。

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ジャヌ・アヴリル(ジャルダン・ド・パリ)/ロートレック(1893)
アヴリルが有名になるきっかけとされる1枚。手前に大きくバスのネックを配した構図は浮世絵の影響とも。

ロートレックだけでなく、ポスト印象派のドニやボナールらも意欲的にグラフィックアートに取り組んだ。

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『ラ・ルヴュ・ブランシュ』誌のためのポスター/ピエール・ボナール(1894)
ボナールやドニの絵は、油絵でもどこか版画的な色使いが感じられる。

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モーリス・ドニ 《『アムール(愛)』表紙》 1898年
なんとなくアール・ヌーボーの雰囲気も漂う。

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フェリックス・ヴァロットン《お金(アンティミテ Ⅴ)》1898年 木版
ヴァロットンもナビ派。
思えば、印象派には版画作品はあまりない。ナビ派を始めとするポスト印象派がグラフィックに関心が強かったのは、画風からなのか、技術がちょうど発達したからなのか。ヴァロットンなどは、前の展覧会で油絵作品も見たが、正直言って版画の方が特徴が出て面白く感じた。

ポスターなどとして張り出されるだけでなく、シリアルナンバーのついた限定作品としての版画は人気を呼んだそう。
肉筆油絵を購入できる層は限られていただろうが、版画なら買える中産階級の心を惹いたのかも。

ロートレックの作品などは、何度も見たことがあるので新鮮味はないかと思ったが、別刷りの色が違うものや、ステートの違うものなども展示されて興味深かった。

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会場の中には撮影可のコーナーも。
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表現への情熱 カンディンスキー、ルオーと色の冒険者たち [美術]

汐留パナソニックミュージアム
https://panasonic.co.jp/es/museum/exhibition/17/171017/

カンディンスキーとルオーに交流があったとは知らなかった。生きた時代はほぼ重なるが、主にドイツで活躍したカンディンスキーとフランスのルオー。だが、パリのサロン・ドートンヌにカンディンスキーが出品し、カンディンスキーの率いるミュンヘン新芸術家協会の展覧会にルオーが出品するという時期がありそれぞれがフォーヴィスムとドイツ表現主義の拠点となった展覧会で、互いの運動への関心を深めていたこともうかがえる。
この展覧会は、この二人とクレーを加え、、また二人を取り巻く画家達の作品で、特に色彩表現の変遷を観て行く。

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ヴァシリー・カンディンスキー
《商人たちの到着》
1905年 
カンディンスキーと言えば後年の抽象絵画が有名だけど、若いときはこういう具象画も描いていて、これが結構好み。これなんか、ロシアの民話の世界みたい。この、枠を黒い線ではっきり描いた感じがそういえばルオーのステンドグラス風の絵と似ているかも。

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ガブリエーレ・ミュンター《抽象的コンポジション》1917年
ミュンターはカンディンスキーのパートナーでもあった女流画家。ただし、これが描かれた年は既に破局の後。でも影響は一目瞭然。

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パウル・クレー《橋の傍らの三軒の家》
具象画から抽象画への過渡期を感じる。クレーも色使いが素敵な画家だ。

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ヴァシリー・カンディンスキー
《活気ある安定》
1937年
上の絵から30数年でこの変化。
でもカンディンスキーの色彩感は好きだ。私の場合、具象でも抽象でも色使いが綺麗だとそれでいいと思っちゃうところがある。逆に言えば、具象画でも色が暗かったり汚かったりする絵は嫌い。

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ジョルジュ・ルオー 《ヒンデンブルグ》
正直なところ、ルオーとカンディンスキーらがどの程度影響を与え合ったのかはよくわからなかった。ルオーとマティスのような親密な交流があったわけでもなさそうだし。でもそれぞれの若い頃からの変遷を色彩表現の変化に着目してみるというのも面白かった。
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北斎とジャポニスム展 [美術]

国立西洋美術館
http://hokusai-japonisme.jp/index.html

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北斎の絵が印象派など19世紀末の西洋の画家に与えた影響を、北斎の絵と並べて展示することでわかりやすく見せる。
構図、北斎漫画などに見られる人物のポーズなど、元の北斎の絵と西洋画が並ぶと、ほほ~なるほど、と思う物から、中にはちょっとこじつけじゃない?と思う物までその影響度(と言うのか)はいろいろ。でも、モネやドガ、セザンヌなどそうそうたる画家達が北斎の真似(と言うと言葉が悪いが)をしたと思うと、やっぱり楽しい。

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葛飾北斎
《富嶽三十六景 東海道程ヶ谷》

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クロード・モネ
《陽を浴びるポプラ並木》

モネの絵だけを見てたときはなんとも思わなかったけど、並べて見るとなるほどね~。こういう木の見せ方って西洋にはなかったかも。

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北斎《北斎漫画》
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メアリー・カサット《青い肘掛け椅子に座る少女》
北斎が知られる以前は女の子は行儀良い姿勢で描かれていた、っていうんだけど、まあ似たポーズと言えばそうだけど、どうなんですかねこれは(笑)

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北斎《おしをくりはとうつうせんのづ》
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ジョルジュ・スーラ《尖ったオック岬、グランカン》
これなんかは、おお、こう来たか。スーラ凄い。って思ったけど。

いちばん、北斎の絵を咀嚼して自分流に取り入れてるな、と思ったのはアンリ・リヴィエールの版画集《エッフェル塔三十六景》。
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『エッフェル塔三十六景』より《XIX.アベス通りより》
富嶽三十六景のように、エッフェル塔を描きながら周りの風景が主だったりするのがとても北斎っぽかった。

絵だけでなく、陶器の図柄にも取り入れられたり、思った以上に北斎の絵が与えた影響は大きかったよう。北斎が知ったら喜んだだろうな。
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