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至上の印象派展 [美術]

国立新美術館
http://www.buehrle2018.jp/
 (行ってからだいぶ日がたってしまったので簡単に)

スイスの実業家ビュールレ氏のコレクション展。印象派展と謳っているが、実際は古いものは17世紀から、新しいものは20世紀抽象画まで幅広く紹介している。
一個人のコレクションというのが驚きなほど、レベルの高い作品ばかり。財力があってこそとはいえ、その選択眼もなかなかのもの。

肖像画のコーナーではフランス・ハルス、クールベやルノワール。
ヨーロッパの都市ではモネやカナレット。
19世紀フランス絵画コーナーではアングル、マネなど。
そして印象派ではシスレー、モネなど、そうそうたる画家の作品が並ぶ。

チラシ、ポスターにもなってメイン扱いされているのはこれ。
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ルノワール《イレーヌ・カーン・ダンヴェール嬢(可愛いイレーヌ)》
”絵画史上最高の美少女”などという謳い文句が付いているが確かに愛らしい。晩年のルノワールのぶくぶく太った女性像に比べると(笑)、清楚で品があって。

他では特にセザンヌとゴッホが一室ずつ与えられていた。
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セザンヌ《赤いチョッキの少年》
よく見れば腕の長さなど、バランスがおかしいのだが不思議と気にならない。色使いがセザンヌらしい寒色系の中に少年の赤いチョッキが鮮やかに浮かび上がる。

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ゴッホ《日没を背に種まく人》
ミレーの「種を撒く人」から着想を得たと言う作品だが、手前に大きく描かれた木など浮世絵の影響もはっきり感じられる。

印象派展といいつつ、新しいところではピカソやブラックなど20世紀中頃までのヨーロッパ絵画を俯瞰。ビュールレ氏の選択眼の良さを感じる展覧会。
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「寛永の雅」展 [美術]

サントリー美術館
https://www.suntory.co.jp/sma/exhibition/2018_1/
”江戸の宮廷文化と遠州・仁清・探幽”とサブタイトルのついて展覧会。江戸時代初期の寛永年間にスポットを当て、戦乱が収まった世に栄えた「きれい寂び」がキーワードとされる寛永文化を、後水尾天皇周辺の京の文化と、江戸の武家文化の発展を見ていく、珍しい切り口。

まずはじめは二代将軍秀忠の娘和子が入内した後水尾天皇を中心とした宮廷文化。
源氏物語絵巻などのサロン文化が発達した様子を、和子(東福門院)関連も含めて。

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住吉具慶 源氏物語絵巻 五巻のうち第三巻 

でも面白くなるのは次の小堀遠州コーナーから。
茶人として知られた遠州の美意識がよく表れた茶道具の数々。「きれい寂び」という言葉はここで登場する。大名茶人にふさわしい品の良さと、豪奢をひけらかさない瀟洒な美しさを持った道具をじっくり。
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小井戸茶碗 銘 六地蔵 一口 朝鮮時代 16世紀

そしてその次が仁清で、仁清が交流を持った茶人金森宗和との関連の中から出てきた仁清の作品。
色絵の華麗な作品で知られる仁清だが、宗和の指導の下で作られた初期の作品には意外にシンプルなものも。
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野々村仁清 白釉円孔透鉢 一口
とはいえ、これなど、確かに色は白一色だがこのデザインのユニークさと言ったら、ちょっと他では見られない。なんてモダンな!

もちろんの地の楽しい色絵の作品もたくさんあって、このコーナーがいちばん充実していた。

最後は狩野探幽。生まれは京だが徳川幕府のお抱え絵師として活躍。京狩野とは違う江戸狩野派を発展させた。
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狩野探幽 桐鳳凰図屛風 六曲一双のうち右隻 
永徳に代表されるような桃山時代の剛毅さを感じさせる障壁画から変わって、探幽は華美すぎず端麗な画風を作り上げた。これもやっぱりきれい寂の一端。

こうして見ていくと、きれい寂という美意識は、この時代に確立された後江戸はもちろん現代までも日本人の美意識の根底に流れているもののような気がする。
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香合百花繚乱 [美術]

根津美術館
http://www.nezu-muse.or.jp/jp/exhibition/
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手のひらに載るような小さな器。中に香を入れる茶道具だが、わびさびのイメージが強い他の茶道具と違って、色も形も様々で素材も漆器から焼き物まで千差万別。はじめから香合として作られたものはもちろん、別のものの容器を流用したものもある。作る人、使う人のセンスがうかがわれる。

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堆黒屈輪文香合
木胎漆塗 中国・元時代 14世紀 
初期の香合は中国から渡ってきたものが中心。何層も漆を塗り重ねた後彫り出す手の込んだ仕事。渦巻き模様が美しい。

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黄瀬戸宝珠香合 美濃
施釉陶器 日本・桃山時代 16世紀
日本で茶道が盛んになるにつて、国内でも香合も作られていく。
何気ない形だがなんとも愛らしく、風合いある色も味わい深い一品。

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色絵ぶりぶり香合 野々村仁清作
施釉陶器 日本・江戸時代 17世紀
焼き物の香合と言ったら仁清。と言うくらい、色も形も凝ったものをたくさん作った仁清。
日本の焼き物には珍しい六角形、10センチあるかないかの大きさの中に松竹梅に鶴亀、と吉祥模様を詰め込んで、でも軽やかで美しい。仁清のデザイン力に脱帽。

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染付横唄香合 永楽保全作
施釉陶器 日本・江戸時代 19世紀
元は景徳鎮のものを京の永楽保全が写して作ったものだそう。横唄(よこばい)とは唄貝(ばいがい)を横にしたかたちのこと。こういう形が凝ったものも多いのが香合の楽しさ。

本当にいろいろな素材や形のものがあって、楽しい。
私はお茶はやらないけれど、この根津美術館や三井記念などで茶室のあつらえを見ると、茶碗や釜などの道具や掛け軸、そしてこういう香合を選ぶのは楽しいだろうな、と想像する。(まあ、選ぶほどたくさん道具を持っていれば、の話だけど)
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プラド美術館展 [美術]

国立西洋美術館

ベラスケスを中心とした、17世紀のスペイン絵画展。なので、私の好きなゴヤはなし。
章立ては絵の内容のジャンル別で。「神話」「風景」「静物画」、、と言った具合。

そのあちこちで登場するベラスケス。今回はベラスケスだけで7点出品の大盤振る舞い。
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ベラスケス
《王太子バルタサール・カルロス騎馬像》
1635年頃 
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ベラスケス
《バリェーカスの少年》
1635-45年

ほぼ同時期に描かれた、でもある意味対照的な人物画2枚。一方は豪華な衣装を着た王太子、一方は貧しげなぼろを着た宮廷に仕えるこびと。どちらにも同じ真っ直ぐな目を向けるベラスケス。
今回は、有名な王女マルガリータの絵は1枚もなかったけれど、さすがベラスケスという冴えた筆を堪能。

17世紀のスペインの画家はベラスケスだけではない。
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ムリーリョ《小鳥のいる聖家族》1650年頃
ムリーリョは無原罪の御宿りが有名で愛らしい聖母像で人気があった。この絵でも清楚なマリアが魅力的。

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スルバラン《磔刑のキリストと画家》


また、この展覧会ではスペイン絵画だけでなく、プラド所蔵の17世紀のヨーロッパ絵画の優品も出品。
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クロード·ロラン《聖セラピアの埋葬のある風景》1639年頃
ロランは一時期凄く好きだった。今でも、この理想郷のような風景画には目を奪われる。

他にもルーベンス、ヤン・ブリューゲル1世、ティツィアーノなどもあって見応えは十分。特にバロック絵画好きには見逃せない展覧会。
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仁和寺と御室派のみほとけ 展 [美術]

東京国立博物館
http://ninnaji2018.com/index.html

御室の桜で有名な仁和寺。その仁和寺を中心とした御室派のお寺の仏像や宝物を集めた展覧会。
恥ずかしながら御室派というのがあることさえ知らなかったが、まあそういう宗派の難しいことはいつものように素通り。
仁和寺は皇室と深い関係がある真言密教の寺院。展示の前半では天皇の書状や経本、曼荼羅図などの秘宝が並ぶ。

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国宝 三十帖冊子(さんじゅうじょうさっし)
空海が書き写して持ち帰ったという真言密教の秘書。空海と共に橘逸勢の筆もあるとされる、書道史上も貴重なもの。
前に夢枕獏の「沙門空海唐の国にて鬼と宴す」(今映画になってる原作)を読んで空海と逸勢に親近感があって、ほうほう、と眺める。

後半は仏像を集中して展示。
まず目を引くのが仁和寺の観音堂をそっくり再現したところ。仏様はもちろん本物で、壁画も高精細画像で再現。(今の技術って凄いですね、と改めて)一つ一つの仏像も素晴らしいが壁画もこれまた素晴らしい。実際に観音堂に行ってもおそらく暗くてよく見えないだろうから実に貴重な機会。
このコーナーのみ撮影可でした。
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重要文化財 降三世明王立像(ごうざんぜみょうおうりゅうぞう)
平安時代・11世紀
福井・明通寺蔵
高さが250センチを超す大きさ。迫力ある威容であたりを圧する。

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国宝 千手観音菩薩坐像(せんじゅかんのんぼさつざぞう)
奈良時代・8世紀 大阪・葛井寺(ふじいでら)蔵
この展覧会最大の呼び物。千手観音といっても実際は千本あるものはないがこれは大小併せて1041本の手を持つという、唯一千本以上の手が確認されている仏像だという。大きい手には仏具などを持つ、その千本あまりの手はまるで光背のよう。鎮座する観音菩薩の顔は優美で柔らかく、ちょっと前に傾いた様子は手の重みに耐えておられるよう。間近で観ると圧倒される量感だが、じっと見ていると千本の手がゆらゆらと揺れ動くようにも感じられて、ちょっと怖くなったり。

他にも素晴らしい仏像がたくさん観られて、ありがたい展覧会だった。
しかし、仁和寺には前に桜を見に行ったことがあるが、こんなに仏様がいらしたんだ!どこ観てたんだろう、自分。と思った次第。


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横山大観展 [美術]

山種美術館
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もう終了してしまったけど。

生誕150年だそうで、4月には国立近代美術館でも回顧展のある大観。2,3年前には横浜でも展覧会あったし、なんだかしょっちゅうやってる気がする。それだけ人気があるってことね。

今回の売りは、山種所蔵の大観作品全40点を公開すること。これは開館以来初だという。ほほう、山種だけで40点も持っているというのも凄いな。

大観は私にはどこか捉えどころがない画家に思える。もちろん長生きしたせいもあって画風が変わっていったのかもしれないけど、一人の画家がこんなに多彩な絵を描けるんだ、と驚嘆する。

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横山大観 《陶淵明》

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横山大観 《木兎》

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横山大観 《叭呵鳥》

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横山大観 《春朝》

どれが”大観らしい”んだろう?どれも?
まあ、大観といえば、富士の絵。
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横山大観 《心神》
さすが近代日本画の第一人者、と言われるだけのことはある。

この展覧会では大観と交流のあった他の画家、小林古径、安田靫彦、前田青邨、東山魁夷らの作品もあり、これらも見応えがあった。

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ルドン−秘密の花園展 [美術]

三菱一号館美術館
http://mimt.jp/redon/

メインに、ドムシー男爵の注文で男爵の城館の食堂の装飾画として描かれた15点の作品を据えた展覧会。その装飾画には当館のコレクションの売りの「グラン・ブーケ」も含まれていた。

オディロン・ルドン(1840-1916年)は、印象派の画家たちと同世代と言うのが意外なほど、独自の世界を築いた画家。今回の展覧会では初期から晩年まで回顧展にも近い内容でルドンの世界に触れることができる。
ルドンの作品には幻想的な、と言うかかなり不思議な感覚のモノクロの版画も人気で、今回もあったけど、どちらかというと中心は彩色画の方。
比較的初期の風景画などはこれまであまり見たことがなく、へえこんなのも描いてたのか、と新鮮。

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《ペイルルバードのポプラ》制作年不詳
これなんて、ちょっとモネか?と思うような。

でもルドンというとやはりこう言うのが思い浮かぶ。
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《眼をとじて》1900年以降
ルドンの描く人物はこんな風に眠っているのか目を閉じているのが多い気がする。花も色も美しい。

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[ドムシー男爵の城館の食堂壁画15枚のうち]
これが今回の目玉の装飾画。展示室ではほぼ当時の並びに再現されていた。(なのに、三菱一号館所蔵の「グラン・ブーケ」だけは別の部屋から動かさないのは、不合理だと思うが。。)
室内装飾だからか、「グラン・ブーケ」以外は色は比較的抑えめ。人物も描かれているが、植物がメインで華やかさより落ち着いた印象がかえって珍しい気も。でもどれもルドンらしい、幻想的なもやもやとして夢想の世界が広がる。こういう絵に囲まれて食事するのってどういう気分なのかな。

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《キャリバンの眠り》1895-1900年

ルドンの絵は描かれている人はもちろん、蝶や花さえもどこか夢と現実の間をさまよっているような感覚。そして見ている方もなんだか夢の世界に引き込まれていく。
まあ難しいことはわからなくても、なんとも不思議な感覚に捕らわれて楽しくなってくる。
そういう展覧会。
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ブリューゲル展 [美術]

東京都美術館
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ブリューゲル展 画家一族 150年の系譜
http://www.ntv.co.jp/brueghel/

去年からヒエロニムス・ボスの展覧会とか、バベルの塔展とか、なんとなくブリューゲルを見る機会が多い。今回はブリューゲル一族展として、16世紀フランドルに生まれたピーテル1世からひ孫までの一族の絵を一堂に集めたもの。

祖とも言えるピーテル1世は1525(30)~1569.改めて年紀を見ると意外に若死に。あの「バベルの塔」など晩年とはいえ40代の作と思うとその完成度に驚く。

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ピーテル・ブリューゲル1世と工房
キリストの復活 1563年頃

父、ピーテル1世がなくなったとき、息子のピーテル2世も、ヤン1世もまだ幼かった。二人は父の工房で父の画法を学び、父の絵のコピーも多く描いてそのおかげで父の絵が広まった。

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ピーテル・ブリューゲル2世
野外での婚礼の踊り 1610年頃
父ピーテル1世も書いた農民の風俗を息子の2世も繰り返し描いた。あけすけで、美化されてもいない農民達の様子が楽しげに描かれる。それまでの例えばイタリア・ルネッサンス絵画にはなかったジャンル。

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ヤン・ブリューゲル1世
ヤン・ブリューゲル2世
机上の花瓶に入ったチューリップと薔薇 1615-1620年頃
弟のヤン1世も、兄同様父の作品に倣ったが、とりわけ花の絵を得意として「花のブリューゲル」とも呼ばれた。この絵はその息子ヤン2世との共作。

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アブラハム・ブリューゲル
果物の静物がある風景 1670年
アブラハムはヤン2世の息子。

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ヤン・ファン・ケッセル1世
蝶、カブトムシ、コウモリの習作
蝶、カブトムシ、コウモリ、カマキリの習作 1659年
ヤン・ファン・ケッセル1世はヤン2世の甥。
アブラハムとヤン・ファン・ケッセル1世は従兄弟同士で、ピーテル1世からはひ孫に当たる。
大理石に描かれているのが珍しい。観察眼が素晴らしいのが血筋だろうか。

ひ孫の代まで一族がずっと画家というのは、西洋では珍しいのでは。日本では、狩野派みたいに養子取っても家業として画家ってあるけど。

ひ孫に至るまでそれぞれが非凡な描写力を持って、父祖から引き継いだ工房を守ってブリューゲル派とも言うべき画風を確立した、西洋画史上まれに見る一族ではないかしら。孫世代まではともかく、ひ孫となるとあまり見る機会もないので、貴重な展覧会。





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熊谷守一展 [美術]

東京国立近代美術館
http://kumagai2017.exhn.jp/

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熊谷守一(1880‐1977)の没後40年記念の回顧展。
熊谷守一と言えば、晩年の切り絵か版画のような単純化された猫や花の絵しか知らなかったので、若い頃のゴッホのような、初期の暗い色調の厚塗りの作品に驚き。さらに、先述のような熊谷と言えばのスタイルは70代以降と知ってさらにびっくり。変遷が面白いがやはり猫の絵が可愛い。

展示は年代順。
第一章「闇の守一」1900年代~10年代
闇の中でのものの見え方に興味があったというこの時期の絵は、闇と光というより闇と闇といった感じで本当に色が暗い。
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《 蠟燭 》1909年
目をこらさないと何が描かれてるか見えない。この闇の中に熊谷は何を見ていたのだろう。

第二章「守一を探す守一」1920年代~50年代
この時代になるとまるでフォービズムのような人物画から、やや単純化されたフォルムの風景画に遷ってくる。逆光に浮かぶ人物の輪郭に見える赤い線が、山の稜線などを彩る線に結びついたのだという。
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《人物》1927年頃 

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《風景》1940~50年頃


第三章 「守一になった守一」1950年代~70年代
晩年とも言える70歳代になってついに、熊谷と言えば誰もが思う作風に到達する。第二章から第三章への変化は素人目には唐突にも思えて不思議なんだけど。

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《ハルシャ菊》1954年

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《猫》1965年
晩年は病のせいもあって、家からあまり出ずに庭で虫や花をじっと観察して絵を描いたという。そういう生き物への視線が優しい。

若い頃は貧困にも苦しみ一時は故郷に帰って材木業に従事したり、また子供に先立たれたり、苦難の中で描き続けて老年になってこういう明るい色彩と穏やかで単純にも見える描写に至った心中は想像できない。見る方はただ「あら可愛い」とか思うだけだけど。
正直、晩年の絵だけでも十分楽しめた。



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色絵展 [美術]

出光美術館
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器の種類はいろいろあるけど、見て楽しいのはダントツで色絵だと思う。
色絵にももちろん鍋島、九谷、伊万里、京焼などなど種類があって、それぞれに特徴があるのだけど、そういう違いとかはおいといてとにかく柄や形が楽しめる。

数ある色絵の中で、個人的に好きなのはやっぱり鍋島。藩窯として幕府献上品に作られただけに一定の規格があり、柄も品があって綺麗。
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色絵花筏文皿 鍋島藩窯

一方、九谷は大胆な大柄が目をひく。意外と使われる色は限定されている感じなのに、黄色と青や緑、紫、と言った取り合わせがインパクト大。
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色絵蓮葉に菱文大皿 古九谷
前はそういう九谷がちょっと苦手だった。でもこの頃はそのデザインが斬新で面白いなと思う。もっとももし手元に置けるなら鍋島を選ぶけど。

鍋島と同じく九州の伊万里は、鍋島ではほとんど使われない金襴手が豪華。海外に輸出されたのもうなずける。また古伊万里がヨーロッパの磁器に影響を与えたと言うのも。
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色絵菊花文輪花皿 古伊万里

そして色絵と言って忘れてはいけないのが仁清。柄もだけど、形も凝ってる。
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色絵梅花文四方香炉 野々村仁清
上に兎、横に象。柄は梅。なんてファンタスティック!何年か前別の展覧会で見たときも「きゃ~可愛い~!」って惚れ込んだ品。再会できて嬉しい。

他にも乾山や仁阿弥道八などの京焼や柿右衛門、海外のマイセンやウースター、近現代の板谷波山や富本憲吉らまで、様々な色絵の器を見ることができて、本当に楽しい。焼き物にあまり興味がなくても楽しめると思う。
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